Note : 7/10

Le rythme est d’ailleurs un second élément rassembleur de ces douze titres de ce nouvel album. Arrangeur et producteur au sein de The Servant, Dan Black poursuit sur sa lancée en apportant un gros son, composé de multiples pistes, mêlant ainsi l’électrique et l’électronique. Une grand richesse dans la rythmique, à l’instar de Pump my pumps, et dans les arrangements - I love life. De quoi permettre à Dan Black une entrée solo par la grande porte. Pas toujours évident, si on pense à Richard Ashcroft qui vient de rappeler ses Verve, à Frank Black, si seul sans ses Pixies, Brett Anderson, oublié de tous, Jarvis Cocker en recherche d’inspiration…
On souhaite donc beaucoup plus de chance à Dan Black, qui nous avaient fait forte impression dès le premier mini Mathematics en 1999… Et qui, on le voit avec ce Un a encore pas mal de chose à dire pour révolutionner encore et encore le monde du Rock et de la Pop, made in England.
Un album riche et flamboyant aux mélodies évidentes !

Site officel / Myspace

Note : 7.5/10

La beauté des compositions de Le Loup est parfois simplement due au décalage qui se fait entre la luxuriance des chœurs et l’effeuillage renforcé de certaines compositions (Saddle Mountain, Morning Song, Go East), ne laissant à peine un banjo soutenir la partition ! Sur d’autres titres, les orchestrations reprennent de leur vigueur, mais toujours avec une certaine discrétion vis-à-vis des vocaux qui tiennent le pavé (Forgive Me).
Les amoureux de Polyphonic Spree, de Clap Your Hand Say Yeah ou encore de Pure Reason Revolution devraient trouver un nouveau dada, et remplacer un moment Veckatimest, l’album usé jusqu’à la corne, des Grizzly Bear !
Un joli travail de recherche sensorielle à placer juste entre ceux de Sigur Ros et Bjork (tout style et proportion gardés bien sûr !)
De la belle ouvrage !

Myspace

Note : 8/10

L’impression d’ensemble de ce nouvel album est aussi bien plus rock que le précédent, les titres se suivent sur des rythmes soutenus, sur des durées de 2 à 3 minutes, même On My Mind - 6 minutes au compteur - en fin d’album décèle en réalité un long silence avant de passer sur le titre bonus, Look Through Your Eyes, étrange pièce sombre du puzzle Make Me Cry.
Au final, si l’album peut sembler, au premier abord, plus lumineux que son prédécesseur, il n’en demeure pas moins investi d’une âme foncièrement mélancolique, inspiré des plus belles heures, à la fois, de la Cold Wave des années 80 et de la Pop anglaise des années 90’s.
Un album enivrant !

Myspace

Note : 8/10

Love at last sight, sans doute un single, poursuit sur cette lancée, un peu d’harmonica discret en sus, et toujours, la mélodie, la mélodie et encore la mélodie.
Si on y prend pas garde, on devient vite accros aux refrains entêtant de ce We had faces then, qui fait d’ailleurs suite à un précédent album qui nous avait déjà fait dire que les Raveonettes avaient bien ouvert la voie aux groupes danois, un peu trop discret jusqu’alors sur la scène internationale !
Avec Moi Caprice, la pop anglaise n’a qu’à bien se tenir ! A la manière des célèbres songwriters scandinaves des années 80 et 90’s, ces derniers pourraient bien vite imposer leur loi sur la scène pop européenne !
Moi Caprice, avec ce nouvel album, nous montre que l’on peut associer accessibilité et qualité, pour un résultat propre et agréable.

Site officiel

Note : 10/10

Pas de formules appliquées, juste un labyrinthe complexe de mélodies et de rythmes qui surprennent sans cesse et empêchent toute catégorisation.
All My Love, Reach Out et Iron in the Soul possèdent cette qualité de son sombrement électronique attribuée au trip-hop qui se mêle aux envolées du violon, à la basse et aux guitares atmosphériques ainsi qu’à la batterie parfaitement contrôlée. Même si l’atmosphère langoureuse et enfumée de Fire for You nous hypnotise, il ne nous prépare pas à l’assaut des deux derniers morceaux, dominés par de puissantes guitares: The Dark Half est épique et apocalyptique, alors que Sin (presque sept minutes montre en main!) est un hommage à cette tendance qu’a l’humanité à constamment rechercher le plaisir et le pêcher…
Smoke and Mirrors … un nom parfait pour cet album: en anglais, cette métaphore est utilisée pour décrire quelque chose qui n’est qu’une illusion, qui n’est pas ce qu’elle semble être; mais elle est également utilisée pour décrire la virtuosité d’un illusionniste pour son art …
The Eden House nous enchante et nous montre un monde de faux-semblants, de lumières et d’ombres qui pourrait bien se révéler finalement être le nôtre …

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Note : 8/10

Dans un format classique, 9 titres pour ¾ d’heure, Lotus Flow3r délivre des titres qui alternent entre Pop, Funk et Rn’B, variant les rythmes, les sons, les couleurs, proposant sans le dire, une rétrospective de la grande carrière d’un autre King of Pop. On pourra ainsi au fil de l’album se délecter de langoureux U gonna C me et Better with time, danser sur Chocolate Box, Another Like Me ou Dance 4 me ou encore s’offrir plus 7 minutes du meilleur funk dilatant de Old Skool Company.
En conclusion, voici que nous arrive un album riche et divertissant qui ravira les fans de la première heure, sans aucun doute, aucun. Et il devrait même permettre à Prince de trouver un nouvel auditoire, si la grosse machine commerciale ne lui met pas trop de bâtons dans les roues de sa révolution en marche !
Lotus Flow3r est vraiment convainquant !

Site officiel

Note : 8/10

D’ailleurs, si ce n’est sur Tired Heart ou Greedy Pig, la voix de Craig Walker telle qu’on la connaît, est quasi méconnaissable, douce, sobre, presque discrete parfois. De même, le format pop à 3’ par titre est largement privilégié sur ce disque, même si, éduqué aux titres interminable d’Archive, Craig Walker s’essaie aussi sur le titre éponyme de l’album en fin de disque à ce style progressif des années 70’s, et à cette multiplication des nappes sonores. L’élève a presque dépassé le maitre…
Et puis, en fin toute fin d’album, un bonus sous la forme d’une reprise de Lou Reed, Perfect day, reprise à la perfection, toute en douceur, agrémentée de cordes. L’album est produit et co-ecrit par l’islandais Bardi Johansson (Bang Gang, Lady & Bird).
Voilà donc ce dont est capable Craig Walker quand il ne prête pas sa voix aux autres ! S’il pouvait avoir quelques craintes ou quelques doutes, les voici estompés. Craig vient de faire le grand saut !
Une caresse pour les oreilles et des tubes à la pelle !

Myspace

Note : 7/10

Ainsi, au hasard, Leaving is easy, The monster and Frankenstein, The World is full of Supermen livrent petit à petit un univers romanesque et surtout les secrets d’une musique à la fois élégante et surprenante de simplicité. Quelques cordes, toujours discrêtes (arrangées par Berth Hoffmann) accompagnent une voix, souvent dédoublées, qui maintient l’impression que l’on a affaire un duo, et non à un groupe qui séquestre son auteur dans les profondeurs de la campagne américaine.
Passé l’originalité du processus créatif, Almost Charlie apporte une vrai fraicheur dans la musique folk américaine.

My Space / Site officiel

Note : 6/10

Quoi que déjà septette, le groupe compte parmi ses rangs un 8eme homme, ou plutôt une femme, qui coécrit certains titres de ce nouvel album ; Aurélie Emery - un lien avec Ultra Orange ? - vient aussi doubler la voix du chanteur de Water Lily sur 3 titres de cet album, dont très certainenement le single en puissance, Cold Winds - Little Fairy . Toute ressemblance avec le travail d’Emma Daumas sur You Got Me ne serait pas que pur divagation de votre part (ou de la mienne)…
Vous l’avez compris, à travers ces quelques lignes, le nouvel album des Suisses de Water Lily n’a rien d’une révolution planétaire et ne devrait pas faire trembler les fondations du Rock, pourtant déjà bien fragile. Mais les lignes mélodieuses de chacune des 11 chansons qui composent cet album pourraient vous offrir quelques frissons en ce début d’automne…
Water Lily est un album 100 % pop sans accros qui devraient séduire les programmateurs, même des radios les moins courageuses.

My Space / Site officiel

Note : 6.5/10

Et puis, cet album, c’est aussi une mine d’or en matière de mélodicité, porté par un single Two Weeks, terriblement entêtant. Les envolées se multiplient sur des titres comme Southern Point ou All We Ask, allongeant les titres, comme sait le faire Mercury Rev, par exemple, et dont les liens musicaux sont peut-être plus évidents encore que ceux créés pour des besoins marketing autour d’une soit-disant scene new-yorkaise un brin intello à la pointe de la modernité musicale, Animal Collective étant pris comme tête de proue. Pour le coup, Grizzly Bear, c'est ça, mai un peu plus encore.
Vous l’aurez compris, les auteurs de Yellow House (en 2006) ne font toujours pas dans le tapageur, ni dans le super efficace. Si Two Weeks est parti pour être un tube planétaire, le reste de l’album, à l’instar de Cheerleader, devrait enthousiasmer les amateurs de musique (faussement) low-fi atmosphérique.
Un album à découvrir et apprécier avec le temps.

Site / Myspace

Note : 7.5/10

Les mélodies sont travaillées. Les arrangements bien choisis. Les voix nuancées à plaisir. A la liste des influences invoquées, j’y ajouterai volontiers The Afghan Whigs. Les fans de Greg Dulli sauront en effet trouver en Jeepster une nouvelle source de satisfaction.
A day in the dark, Don’t go Too Far, Write the end first, You can’t stop, tour à tour, vous prouveront la qualité d’écriture autant que celle d’interprétation d’un groupe en création, aux contours déjà bien définis.
Sans être une seule seconde racoleur, et relativement court (moins de 30 minutes), l’album s’apprivoise très rapidement et devient tres invite incontournable…
Un album donc inmanquable, vous l’aurez compris !
Myspace

Note : 8/10

De même, Miles Ahead, moins tapageur, mi-tempo, fait une belle démonstration des talents charmeurs du groupe. C'est d’ailleurs sans doute ce qui a pu pousser le groupe à baptiser leur album 360 degrees, tant il semble être allé tout azimut pour établir toute la variété de leur album.
Aux manettes, le groupe s’est fait aidé par Mark Freegard, producteur écossais connu pour son travail avec des groupes aussi variés que The Breeders, Manic Street Preachers and The Cranes, et donc capable d’orienter son travail dans toutes les directions souhaitées par le groupe.
Gage de qualité peut-être, les dernières dates du groupe dans le Bénélux ont souvent été Sold Out ! Alors avant de passer pour un has been, en parlant encore du dernier album de Ghinzu, allez vite jeter une oreille sur ce 360° des Mintzkov, il se pourrait que vous soyez bien surpris ! Loin d’être un album novateur, 360° n’en demeure pas moins riche et passionnant.
Myspace du groupe / Site du groupe

Note : 8/10

Trippant, c’est d’ailleurs, peut-etre dans cette direction que semble se diriger de plus en plus Moby, sur les traces encore fraiches de Massive Attack. Pale Horses, quoi que reprenant les recettes déjà utilisée par des titres anciens tels que Natural Blues, n’en est pas moins orienté Trip Hop, de par son rythme lascif. A l’inverse, Mistake nous offre une petite variante sur cet album, en créant une atmosphère plus vintage, qui rappelle un peu le Space Oddity de David Bowie. Mais là encore, on reste sur une impression d’espace infini, de fuite du monde moderne. A noter d’ailleurs, que la majorité des titres ne sont pas chantés, Moby ayant sans doute préféré faire passer des impressions plus que des messages. Seuls quelques textes comme Study War -… No More - ne laissent pas insensible et continuent de coller à l’actualité américaine.
Entre Soul, Pop et Trip Hop, Moby poursuit sa recherche de la perfect song et peut-etre même du Perfect Album. L’album donne une impression étrange, un univers asceptisé parfois (tel The Universal de Blur), comme quand on s’introduit dans un hôpital tout blanc, immaculé, et en même temps, il procure une sensation de bien-être et de légèreté.

Au final, Wait For Me demandera une écoute attentive et répétée avant de dévoiler tous ses secrets. De quoi être agréablement surpris !

www.moby.com

Note : 8.5/10

Des titres tels que The kids are sick again, I another world ou encore Overland, west of Suez ont tous les ingrédients pour hypnotiser les grands fans du Rock anglosaxons, les aficionado de Franz Ferdinand, les inconditionnels du Moz…
Maximo Park, déjà profète en son pays, devrait marquer de son emprunte le reste du continent avec ce Quicken The Heart. J’entends déjà les riffs de Wraithlike résonner sur les plus grandes places d’Europe et bien au-delà certainement !
Vraiment rien à jeter sur ce nouvel album d’une efficacité rare. A découvrir de toute urgence !
Quicken the heart est, comme on dit en pareille occasion, l’album de la consécration du groupe !

Note : 8/10

Dernier volet d'une trilogie entamée en 2002, Last moon flirte donc avec toutes ces textures minimalistes qui font tant de bien au corps et à l'esprit, ce "groupe" mis en place par Nico Lelièvre, maître d'oeuvre du Studio 8 de Montréal lui sert apparemment d'exutoire entre 2 productions/enregistrements, ce gars ne devant sans doute jamais dormir !
Tant mieux pour nous tant c'est bien !

Myspace

Note : 8/10

Je vous parlais d’efficacité ? Allez écouter Yo heart, Head, Cinema tech, Since you called… vous comprendrez vite ce que je veux dire. Une fois en tête, difficile de faire sortir ces mélodies, qui, en plus d’être bien écrites, sont superbement orchestrées ! un petit côté vintage que je ne me souvenais pas avoir décelé sur les précédents albums, qu’on pourrait croire emprunté à Beck ou Granddady. D’ailleurs, je me souvenais pas non plus à quel point, Sharko avait des ressemblances avec le groupe Police. Ca parait étonnant dit comme ça, mais les rythmes cinglants, ce petit côté 70’s et la voix de David Bartolomé ont tous les ingrédients qui faisaient la popularité de Police il y a près de 30 ans … Il suffira d’aller écouter Cinema tech pour vous en convaincre vous aussi.
On peut souhaiter à Sharko le même succès avec ce 5eme opus, qui par sa production et son écriture, mérite plus que jamais d’apporter la notoriété qui manque encore à ce groupe ! Peut-être, qui sait, avec cet autre single au titre évocateur Mouse/Animal/Facebook/Danger?
Un album plein de ressource et terriblement efficace !
Myspace.com/sharkobelgium

Note : 6/10

A l'automne 2008, c'est presque donc un tout jeune philosophe qui aborde la vie avec un peu moins de désinvolture, mais toujours cette même lucidité, qui constate que "Le soleil est sorti" aussi, malgré tout. Cette conscience d'une nouvelle dimension de l'existence est d'ailleurs présente dans plusieurs de ses nouveaux textes, que ce soit pour nous proposer une jolie promenade au "Parc Laurier" ou le constat d'actualité "Je veux me reproduire". Ces derniers temps consacrés à sa vie de père l'ont aussi amené à reconsidérer ce monde bizarre qui l'entoure et qui le surprend toujours. Il nous le raconte ici et c'est tant mieux. P.S. : très belle pochette digipack cartonnée orangée / noire qui plus est !

Lien

Note : 9.5/10

Loin de l’œuvre de Ligeti associée au même astre céleste, Luigi Rubino nous présente un travail de toute beauté, que l’on rapprochera sans exagération à d’autres œuvres signées Erik Satie.
Vous êtes stressé au bureau, dans les embouteillages, dans le métro. Je vous suggère alors 40 minutes de ce Theme for the moon, à chaque crise, et sans aucune limite dans le temps. Aucun effet secondaire, si ce n’est peut-être l’envie de partir loin des villes des hommes, pour rejoindre une ile déserte. Mais si cela se produit, c’est que ce mal couvait depuis longtemps en silence au fond de votre pensée !
La musique de Luigi Robino a touché au sublime, sans doute aucun !

Myspace / Label

Note : 8/10

All were after ou Focus Please, quoi que plus apaisées, donnent encore quelques riffs de guitares retenues mais tendues, qui participent là encore à cette atmosphère électrique d ’un orage d’été sud californien. C’est d’ailleurs, dans ces contrés que David Freel aime revenir pour terminer d’enregistrer ses albums, écrits cette fois quelque part au fin fond de la chaine montagneuse des Cascades en Oregon… David Freel, dans une humeur aux apparences dépressives – mais ce ne serait plus Swell sinon… - abordent des sujets toujours remplis de contradiction et d’opposition ancestrale (la vie et la mort, l’amour et la haine…), des problèmes insolubles, qui ne risquent pas encore de nous mettre Monsieur Freel dans de meilleures dispositions pour les 10 prochains albums…
Be my Weapon, quoi que dissimulé et distingué de Sweel, nous livre une fois de plus le meilleur de David Freel ! Un album simple et touchant comme on les aime ! Quel talent !

Note : 8/10

Le profane que je suis en la matière, ajoutera un autre amateur de Blues dans la liste de ce que me rappelle cet album de John Lee Sanders, à savoir, Bruce Willis et son album le plus abouti à ce jour, If It Don't Kill You, It Just Makes You Stronger, sorti sur la Motown en 1989. L’excellent Midnight in New Orleans, et ses chœurs un brin Gospel, en est la preuve. Notez l’entrée magique de son saxo sur ce titre. Les Fans seront sous le charme !
Bucket Full of Blues est le recueil de quelques unes de ses meilleures compositions, dixit son auteur. La richesse à la fois des compo et de l’orchestration vient confirmer cette affirmation, de toute évidence.
Plongez vous aussi dans le Delta et découvre ce New Orléans Deep Fried Funk de tous les diables !

johnleesanders.com / Myspace

Note : 9/10

Un autre titre, à peine plus élaboré, mais plus long, In the morning, propose une ambiance dépaysante, qu’il prend à contre-pied en imaginant une folk plus datée rappelant quelques airs de Simon & Garfunkel ou de Bob Dylan… A la fois amusant et surprenant. Sur un titre comme If you want me, Caspian Sea ou Dead Bees, les guitares électriques reviennent, et avec elles, les effets et le son de Blur, c’est imparable, et assez bluffant !
Graham Coxon se plait toujours à se donner des limites et à tenter de les repousser sans cesse. A l’instar du titre qui clôture l’album, November, le chanteur nous montre tout son talent de compositeur et d’arrangeur à créer des atmosphères sombres et brumeuses autour de sobres ballades.
Avant un retour éventuel et tapageur au sein des Blur, Graham Coxon nous livre un travail délicat, pudique, plein de retenue. Profitons-en donc encore un peu !
www.grahamcoxon.co.uk

Note : 9/10

On sent que Piers ne tient pas en place, qu’il se plait à puiser dans la musique du monde son inspiration de chaque instant. Tout en conservant un son folk, il s’amuse à utiliser des instruments et des ambiances puisées ici et là dans l’héritage culturel collectif. Sur ce point, Piers Faccini rappelle le travail de Peter Gabriel. Il rappelle aussi celui plus country d’Eddy Vedder (auteur de la BO de Into The Wild). Il devrait d’ailleurs ravir, comme moi, les fans de ces deux monuments de la musique.
Plus on avance dans l’album, par contre, plus Piers s’enfonce dans le Delta sud-états-unien, jusqu’aux racines du Blues, terminant ainsi l’album sur deux complaintes sombres et tristes, Strangers et My Burden Is Light.
Tel un voyage initiatique, Piers Faccini nous livre un album riche en émotion, aux sonorités variées. Seuls stigmates présents tout au long de l’album, une voix envoûtante et une délicate mélancolie !
Un album au charme sans précédent !
Site officiel / Myspace

Note : 8.5/10

Si vous ajoutez quelques perles inclassables telles que ces Fuckingsong ou Caucasian Blues totalement débridés, vous arrivez à un album d’apparence éclectique et dispersé. Mais cette impression disparait après quelques écoutes, c’est ce qui fait la force de ce nouvel album, sa variété, son aspect composite, accidenté, bariolé, qui nous le fait aimer, comme on a pu aimer, il y a bien longtemps des albums - et faux albums - tels que Intro , Freaks ou Separations.
Les plus récalcitrants iront directement à la plage 11 pour y découvrir l’excellent Slush, à la fois lent et terriblement envoutant.
Further Complications est tres certainement le travail le plus abouti de Jarvis Cocker depuis… This is Hardcore en 1998 ! Alors, vous pensez bien qu’on ne l’attendait plus ! Reste donc à Jarvis à relancer son indéniable talent scénique lors d’une grande tournée pour nous réconcilier définitivement avec sa musique !

Myspace

Note : 7/10

Aidé parfois par quelques accordéons et violons, hors du propos général. Singulier !
C’est d’ailleurs l’impression qu’on nous donne ce Whatever Singularity, un disque d’une grande singularité, atypique. C’est ce qui le rend de faite captivant, et quelque part assez hypnotisant. Ce qu’on se demande, en fait, c’est comment le groupe parvient à tenir son public en haleine durant ses concerts, tant sa musique séduit par son caractère intimiste. L’apport du visuel doit y être essentiel.
A voir donc pour se faire une idée, et à écouter, isolé dans sa chambre ou sur son lecteur mp3, pour s’imprégnier des ambiances d’une Whatever Singularity…

Myspace / Jarring Effects

Note : 9/10

Depuis plusieurs années, les mancuniens d’Elbow – Bury pour être plus précis - nous baignent dans une douce lumière musicale aux effets relaxants.
Le nouvel album, The Seldom seen kid, ne déroge pas d’un jota à la règle. Plus que jamais, le groupe génère une musique substile élaborée à partir de claviers envoutants et du classique trio guitare-basse-batterie. Il y ajoute des cordes, un piano, des cuivres et des chœurs, beaucoup de chœurs !
Fort de ses 10 années d’expérience, le quintette nous livre en fait le fruit d’une lente maturité. Car The Seldom seen kid est très certainement l’album le plus mature d’un groupe en continuelle évolution. La voix de Guy Garvey souvent comparée à celle de Peter Gabriel continue ses ravages sur ce nouvel album bourrés d’émotion.
Sorti il y a un an en Angleterre, l’album a déjà remporté quelques lauriets (Mercury Prize, Brit Award du meilleur groupe…). Et pour une fois, il faut le reconnaître, derrière ces récompenses, il y a un petit chef d’œuvre, qui débute sur le majestueux Starlings, longue introduction, trompette d’apparat, une prose riche et abondante, sous le signe de l’amour ("The violets exploded inside me when I meet your eyes" en Français, on verrait tout juste Aznavour ou Adamo nous sortir un truc pareil, mais en anglais… c’est tout simplement superbe).

S’ensuivent The Bones of You et Morrorball, deux singles au potentiel évident, l’un rempli de chœurs, de cordes enivrantes, l’autre, plus subtile, plus retenu, mais terriblement hypnotique.
Avec Grounds of Divorce, les guitares se font alors entendre, plus graves, plus ronronnantes aussi. L’âme de Peter Gabriel est ici plus que jamais présente ! Confondant ! Je vous laisse découvrir la suite de l’album, qui, à aucun moment, ne cesse de surprendre et de fasciner, à l’instar de Some Riot, petit boléro moderne, à grand renfort de cordes nobles, nous conduit pendant pres de 7 minutes, dans les errements d’une âme en peine, répétant inlassablement, "it’s breaking my heart to pour like the rain, brothers of mine, don’t run with those fuckers, when will my friend start singing again".
Pour ce 4e album, Elbow met les petits plats dans les grands, et nous invite, en tête à tête, au plus beau diner aux chandelles sa carrière.
Un album limpide et lumineux, à déguster sans aucune modération.
www.elbow.co.uk

Note : 5/10

Depuis 13 ans maintenant, le duo Archive s’inscrit dans une démarche de renouvellement perpétuel. Chaque album se voulant différent, avec des musiciens, des styles, des arrangements différents. Mais, avec le temps, chacun sait qu’il est difficile de maintenir un tel niveau d’exigence.
Et Controlling Crowds, en 2009, semble afficher un panneau sur le capot de leur superproduction "En panne" !
Pour la premiere fois, Darius Keeler et Danny Griffiths semblent dans une impasse, ou dans la redite tout du moins.. Bien sûr, le travail reste ample, dense, les compositions riches, les refrains entêtants. En un mot, Controlling Crowds demeure EFFICACE !
Pourtant, même sans la présence de Craig Walker et le retour de Rosko John, Controlling Crowds reprend tous les ingrédients de You All Look the Same to Me, l’album le plus abouti du groupe, sorti en 2002. Un peu décevant donc ! D’autant que Lights - malgré son titre - n’avait pas non plus brillé par son originalité en 2006.
De plus, Pollard Berrier, remplaçant forcé de Craig Walker, malgré toute sa bonne volonté, tous les efforts de mimétisme, ne parvient pas à recréer la magie instauré par Craig sur des titres denses comme Again en 2002.

Un album raté donc ? Non, n’allons pas jusque là, l’entêtant Bullets devrait encore envoûter quelques fans, tout autant que l’aérien Collapse collide. Le talent de studio de la paire Darius Keeler et Danny Griffithset celui, plus vocal, de Maria Q n’ayant pas totalement disparu, loin de là. Collapse collide permet d’ailleurs de relier la période Take My head au travail plus récent du groupe, les vocaux féminins étant écrits dans un esprit assez proche.
Chacun se fera donc sa petite idée en allant écouter l’album sur une borne d’un de ses magasins préférés avant de décider si oui ou non, il mérite les 20 euros que lui coûtera l’emplacement de Controlling Crowds dans sa discothèque. Au risque de lui laisser prendre la poussiere, au profit de l’infatigable You All Look the Same to Me. Sachez enfin, que l'enregistrement étant tellement long, que le groupe s'est réservé la possibilité de sortir un second volet en 2010, quatrième partie de cette album en vérité... La sortie d'un double aurait peut-être sauver l'honneur. Mais, là, peut-être dans le but de faire payer l'addition deux fois, la maison de disque mérite un carton jaune...

Myspace / Site officiel

Note : 9.5/10

Dès les premières notes de Black Hearted Love, titre introductif de l’album, A Woman A Man Walked By, on comprend que Pollie Jean est de retour en grâce, avec tous les ingrédients qui ont fait d’elle une reine du Rock, à l’époque de Dry, Ride of Me et To Bring You my love. La maison de disque ne s’y est pas trompé, et sort le titre en single.
Il faut le reconnaître, depuis, elle ne nous avait pas toujours véritablement impressionné. A tel point, que la Magic Box n’a jamais plus chroniqué d’album.
Pour son neuvieme album studio, PJ semble pourtant poursuivre son chemin comme si de rien n’était, avec les mêmes comparses et les mêmes instruments. C’est juste un moment de génie, qui passe et repasse par elle, de temps à autre…
Et là, le bon génie a décidé de camper pour un moment ! Car, les titres se suivent dans la même veine, Sixteen,Fifteen,Fourteen, Leving California, The Soldiers ont chacun leur style, leur ambiance, leur rythme, mais à chaque fois le charme opère invariablement.

Que Polly Jean se pose (April) ou qu’elle sorte de sa réserve (Pig Will Not), inévitablement, elle nous ensorcelle de sa voix inimitable, de ses mélodies évidentes et de ses orchestrations à la fois familières et renouvelées.
Allez si j’osais, je mettrais un nouveau 10/10 à cet album…
Avec A Woman A Man Walked By, le duo Harvey/Parish parvient à nous toucher, droit au cœur. Ce qui paraissait à chaque fois un peu trop expérimental, ou bien au contraire bien trop conventionnel sur les précédentes collaborations, n’est plus. Aujourd’hui, la magie a opéré. Le duo ne fait plus qu’un ! Et A Woman A Man Walked By envoute de la premiere à la derniere note ! Brillant !!

Myspace / Site officiel

Note : 4.5/10

J’entendais à la radio, Dave Gahan se gargariser de la réussite du nouvel album de Depeche Mode, qui selon lui serait une prouesse sur tous les points, permettant de faire une fois encore progresser le groupe.
Il est vrai que le groupe a su muter à plusieurs reprises en quelques trente années de carrière.
Pourtant, j’avoue ne pas être vraiment d’accord avec ses propos ! Wrong, le nouveau single, sorti en éclaireur il y a quelques semaines avait pourtant de quoi nous en mettre plein la vue : sombre, puissant, efficace, une ambiance digne des DM du 21e siècle, Martin Gore en renfort vocal, et ce je ne sais quoi, qu’on pouvait retrouver sur Personnal Jesus, I feel You ou It’s no good, autres singles marquants - et annonciateurs - des albums de la précédente décennie.
Mais, là, où ça ne colle plus du tout, c’est que le reste de l’album se veut terriblement pop, totalement en opposition avec Wrong ! Et même, ils nous donnent parfois l'impression de retrouver les sons des 3 premiers albums du groupe, à l’instar des notes de synthé de Fragile Tension, In Sympathy, Peace ou encore Spacewalker qui sentent tous à plein nez le début des années 80.

Le son Depeche Mode donc ! Oui, mais aussi celui de Tears For Fears ou Pet Shop Boys…
Alors, il y a bien sûr quelques petites perles telles que Little Soul ou Come Back. Et il y a aussi quelques tubes (Miles Away / The Truth Is, Hole To Feed) qui devrait entretenir la notoriété et la nostalgie du groupe jusqu’au début de la prochaine décennie… Mais à quoi bon sortir des albums, dans ces conditions ! Autant sortir des singles, ça suffira bien…
Sans être un mauvais cru, et malgré quelques belles surprises, Sounds Of The Universe ne va pas encore détroner Violator, Songs Of Faith & Devotion, Music For The Masses dans mon Top 3 des meilleurs albums de Depeche Mode ! Et peut-etre même pas dans mon Top 5… Mais vous alors, fan ou pas fan, qu’en pensez-vous ?

Un album dont l'ambition s'est quelque peu attardé sur le premier single ! Wrong !

Myspace / Site officiel

Note : 7/10

Note : 9/10

Note : 8/10

Expéditif, Forest Fire nous balance 9 titres en moins de 30 minutes sur ce premier album Survival ! Pas besoin d’en faire des tonnes en quelque sorte pour être efficace ! Ce premier album se veut donc efficient, on ne garde que le meilleur, on ne charge pas trop les pistes, on y préfère l’émotion d’une voix à celle de cent violons.
Pour la petite histoire, le quatuor est américain, partagé entre la côte Ouest et la côte Est. De quoi compliquer n’importe quel enregistrement d’album. Mais aujourd’hui, quelle importance. On enregistre la guitare ici, la batterie (discrête) là, la voix vient se coller et puis quelques amis viennent ajouter leur partitions de cordes ou de cuivres dans le mix final. Et le tour est joué. La technologie au service de la Tradition !
Ce qui compte, et c’est le cas ici, c’est de bonnes compo, dans le style complainte folk moderne, sorte de Radiohead acoustique, ou de Clap Your Hands assagi !

Et une voix à l’accent prononcé, façon Bob Dylan ! Le résultat est à la fois sobre et envoûtant. Un peu ce qu’il manquait aux exubérants Polyphonics Spree, il y a quelques années, pour être excellents.
Difficile de vous parler d'un titre ou d'un autre, tant chaque titre a une part de vie et un traitement particulier sur cet album. Le groupe s’est employé à jouer la diversité dans un registre pourtant très étroit. C’est peut-être là que réside la prouesse ! Le final, tout de même, Slow motion, mérite d’y être cité, déjà parce que c’est le plus long de l’album, mais aussi parce qu’il nous propose un crescendo lancinant des plus original, agrémenté de cordes subtilement désaccordées.
Sans crier au génie ou parler déjà d’album de l’année, il faut bien avouer que Survival fait son petit effet, au fur et à mesure de ses diffusions !
Un album sobre et dépouillé qui recèle mille et une surprises !
www.myspace.com/fuckforestfire

Note : 7.5/10

Avec le printemps, le label nantais Prikosnovenie nous gratifie de sorties d’albums construit autour d’un thématique tout azimut … 4 albums, 4 lieux, 4 styles aussi sous l’hospice de 4 vents. Corde Oblique, dans la distribution des cartes, a hérité de la Tornade de Vulcain.
Restait alors au compositeur italien Riccardo Prencipe à capter cette force de la nature et à l’insuffler dans ce The Stones of Naples, son cinquième album.
The Stones of Naples nous invite en réaliter à sentir sur notre visage quelque vent grec, entremêlé de Sirocco aux moments les plus tourmentés de l’album. Ce qui est sûr, c’est que Corde Oblique apporte la chaleur et la douceur de son pays, l’Italie. Plus qu’un album, The Stones of Naples est un concept et une grande maison sans porte qui invitent à sa table milles voix féminines et mille musiciens, issus de la baie napolitaine. On y croise d’ailleurs une vieille connaissance, Mediavolo, qui nous ensorcelle régulièrement de ses violons magique.

Au-delà de l’aspect conceptuel, The Stones of Naples est un album riche, aux mélodies subtiles et entêtantes. Les voix évoquent tantôt le traditionalisme du Sud (Corse, Sardaigne, Italie du Sud), tantôt l’envoutement de contrées lointaines et imaginaires arpentées par des Frodon Sacquet ou Lyra Belacqua…
Vous l’aurez compris, Corde Oblique nous invite une fois de plus, au voyage et au dépaysement, le temps d’un nouvel album, et d’une nouvelle prouesse musicale.

Laissez vous transporter !

www.cordeoblique.com

Note : 7/10

Apres plus de 20 années de résistance à la langue anglaise, De Kift semble avoir réussi son combat, puisque malgré son choix pour la langue néerlandaise, il parvient à faire des visites de plus en plus régulières hors de ses frontières et en particulier dans notre Hexagone.
Hoofdkaas, leur 9e album, ne déroge pas à la règle et maintient le cap. A la manière des Têtes Raides chez nous, De Kift perpétue une tradition culturelle à travers cette folk musique personnelle, élaborée avec des instruments traditionnels, acoustiques, dominés par des cuivres, qui apportent cette couleur particulière, cet esprit populaire des fanfares. Que l'on croise aussi chez Emir Kusturica.
Sur ce nouvel album, la petite entreprise communautaire multiplie les compositions mélodieuses, entre folk et country-folk (Heisa-ho) dont elle a le secret mais s’aventure aussi dans quelques titres naratifs (Record, Toen), à la manière des ménestrels du temps jadis.

Il est fort à parier d’ailleurs que De Kift apprécierait bien cette comparaison à ces bardes du moyen-âge, tant leur travail conserve ce côté artisanal et itinérant.
En fin d’album, Hoofdkaas, le titre éponyme, débute sur des chants d’oiseaux avant de nous emporter une derniere fois dans un récit obscur – bon, ok, je ne comprends pas bien le néerlandais – suivi d’une grande chorale, tel un final d'opéra... populaire toujours. Là encore, la proximité avec nos Têtes Raides nationales est assez flagrante. Mais qui sait, la comparaison n’est peut-être pas anodine, vu qu’en néerlandais, Hoofdkaas signifie « Fromage de tête »…

Un bien bel album en provenance de l’autre pays… de la musique !
Myspace / Site officiel

Note : 7/10

L’album est sorti en octobre dernier, mais il n’est jamais trop tard pour en parler. D’autant qu’il y a pas mal à dire sur ce groupe Canadien. Originaire de Toronto, et donc anglophone, le groupe se rapproche logiquement de la scène punk américaine et anglaise la plus radicale, celle qui compte des groupes comme les Blood Brothers ou les Test Icicles.
Radical, je disais, leur musique s’apparente à un train à grande vitesse venant percuter le mur du son ! Punk, rock, Hardcore, on pourrait aussi comparer leur musique à celle de Beatie Boys, dans ses moments les plus undergrounds ! Que ce soit dans les mots, les idées, le phrasé, toutes les compositions des Fucked Up ne font pas dans la dentelle. Ah, si, en introduction de l’album, le groupe nous prépare le terrain et les oreilles, en nous glissant une jolie musique, à la flûte traversière ! Mais passé 1’30, pensez à rabaisser le volume, sinon, vos voisins vont appeler la police !
A la manière des Blood Brothers, deux voix échangent des propos pas toujours compréhensibles au premier abord, il faudra donc y revenir, ou se diriger sur le petit livret du disque. Mais là encore, ça vaut le détour ! PAr exemple, Son The Father, ce titre qui s’introduit donc à la flûte, vous balance des textes dérangés et dérangeant sur la fierté des peuples et leur aveuglement religieux.

Et ce n’est que le point de départ de cet album, qui ose la puissance, mais qui sait aussi se poser dans des compositions electro, histoire de laisser retomber l’adrénaline, avant de jeter à nouveau vos oreilles en pâture aux lions rugissants, non, pardon, aux guitares électriques ! Et vous verrez que tout au long de l’album, Dieu y est omniprésent, sans pour autant y tenir le meilleur rôle, bien entendu !
La couverture de l’album est aussi tout un symbole, une rue entourée de buldings, des passants anonymes et un soleil couchant, comme pour marquer la fin de quelque chose. Ce qui est sûr, c’est que ce second album des Fucked Up n’est surement pas le dernier !
Si vous avez envie de vous décrasser un peu les oreilles, pariez sur la nouvelle alchimie concoctée par ces canadiens travaillant juste entre le marteau et l’éclume ! Attention ça fait mal !

www.matadorrecords.com

Blog Officiel du groupe

Note : 7.5/10

Krystle Warren est une américaine qui a grandi à Kansas City, avant de se déplacer vers le poumon de l’Amérique, le centre névralgique de la culture, New York ! Imprégnée par tout un ensemble de courants musicaux, qui vont du Rock à la Country, Krystle Warren crée dans son premier album, Circles, son propre univers, savant mélange de ses influences, de Joni Mitchell à Nina Simone.
Avec Krystle Warren, on note un regain incontestable vers les racines de la musique noire, portée par des personnes aussi diverses que Amy Winehouse ou Duffy. Pourtant, Krystle Warren préfère au tapage médiatique de ses contemporaines, digne des plus grands groupes de Rock , se concentrer sur la douceur de la soul de cabaret, la chaleur d’une voix de velours et la poésie des mots.

D’un bout à l’autre de l’album, Circles nous couvre près d’une heure durant, d’un voile de délicatesse, rappelant ici l’esprit de Tanita Tikaram ou même de Tracy Chapman, la grâce en plus.
En fin d’album, l’éditeur a la bonne idée de rajouter, My Third Love, le titre qui avait fait découvrir l’artiste, avant même d’être signée, et qui déjà nous apportait l’ensemble des ingrédients, qui font aujourd’hui de Circles, un album à part, et de Krystle Warren, additionné de son band, The Faculty, une artiste au charme indéniable.
Assez linéaire au premier abord, Circles se révèle rapidement attachant. Attention à l’addiction !
www.myspace.com/krystlewarren

Note : 7/10

Ne vous fiez pas à son nom digne d’un projet techno-gôa... La couv’ de l’album ne vous aidera d'ailleurs pas plus !
Bell X1 fait pourtant de la Pop, à 100%, teinté d’une note mélancolique. C’est donc dans le registre de Travis, Coldplay… que Bell X1 a depuis longtemps fait son nid, préférant jusqu’alors se forger une réputation dans les pays anglosaxons, de son Irlande natale jusqu’aux USA.
Pour son quatrième album, le groupe entend maintenant agrandir son cercle d'amis, en s’attaquant au continent européen. Pour la petite histoire, il vous a déjà atteint, si vous êtes adeptes à certains séries américaines qui en sont grandes consommatrices (Greys Anatomy, Les Freres Scott…) ! De même, leur précédent chanteur (au temps du groupe Juniper), Damien Rice, vous a peut-etre déjà hypnotisé à travers son premier album O , ou sur le générique du film The Closer… Vous voyez, vous les connaissez déjà !

Blue Lights on The Runway donne donc d’abord l’occasion de découvrir le groupe dans son entièreté, le temps d’un grand album, près d’une heure de ballades – pas trop irlandaises – mais terriblement populaires.
Et puis, titre après titre, l’album nous livre tout un univers, pop, brillant, stylé, rempli d’émotion à fleur de peau. Et on comprend que les ex-Juniper n’étaient pas regroupés pour rien dans les années 90’s… Il y a beaucoup de points communs entre les deux univers, même si la musique de Bell X1 est plus prompte à remplir des stades que la musique plus intimiste de Damien Rice !
Une écoute valant mieux qu’un grand discours, je vous invite à aller découvrir les lumières bleues étoilées de Bell X1 sur leur sites internet, avant de franchir le pas (de porte) de votre meilleur revendeur de galettes…
Un album lumineux.
www.bellx1.com
www.myspace.com/bellx1

Note : 7/10

56 ans, 35 ans de carrière, 19 albums, dont six sortis sur le label Tôt ou Tard, dernière île au trésor de la chanson française. Ca tombe bien, Dick est un secret bien gardé, sans doute le dernier poète d’une vieille école, qui a vu mourir Jacques Brel. Ne confondez pas non plus avec l’autre Dick, sa baie des anges se trouve sur la côte Nord, du côté d’Amsterdam, même s’il se plait à vivre sur les quais de scène.
Tout cela pour vous dire que Monsieur Annegarn nous livre, non pas un énième album, mais le résultat d’une nouvelle plongée dans les profondeurs de sa pensée, de son passé. Il y rencontre justement le grand Jacques, à qui il livre un fervent hommage, 30 ans après sa mort, il y croise le Rock de Rotterdam au milieu d’une dépression du Blues de Londres. Une drôle de chanson, Quelle poule pond tant ?, vous amusera, sur des airs de violons, à la manière de Théo Hakola. De Théo d’ailleurs, il en question dans une chanson du même nom, dans laquelle Dick Annegarn semble repeindre avec ses mots "L’Enfant à l’Orange" de Vincent Van Gogh.

Si Dick Annegarn reste difficile à découvrir au premier abord, de par son accent du Nord, de par sa musique intime, ses mots tourmentés, au sens propre comme au figuré, il n’en devient passionnant une fois ces frontières abattues.
Parmi les invités du poète sur ce Soleil du Soir, Yael Naïm, autre signature de Tôt ou Tard ou Joseph Racaille, ancien compère du récemment disparu Hector Zazou (Orchestre de chambre à coucher…).
Le Soleil du Soir est à découvrir à tout heure de la journée, mais avec une oreille attentive, les mots étant plus importants que le reste dans ce travail, bien que les accords de blues et les mélodies discrètes finissent par vous trotter, à force de concentration sur le verbe.
Allez ! N’hésitez plus et décadez avec Dick, dégénérez avec Annegarn, subtile décadence !
http://annegarn.free.fr/

Note : 7/10

Si le patronyme de ce groupe vous parait bien intrigant, sachez que leur musique ne l’est pas moins !
Derrière ce nom, un groupe originaire des 4 coins du monde et basé en Espagne, à Valence, pour être plus précis. Deux argentins, un espagnol et un francais réunis par une passion commune, la musique, un peu de britpop, un peu de rock, et pas mal de chanson française.
De ces influences si différentes, le groupe vient d’enregistrer et de commettre Camarade Coma, un premier album, long format, qui mêle pop et rock, textes français et anglais.
Pour tout vous dire, à la premiere écoute, j’ai eu l’impression d’assister au come back de Marc Seberg, un groupe déjà largemet inspiré par des groupe anglais tels que New Order... Et puis en explorant ici et là, en découvrant leurs influences, rien à ce sujet, c’est plutot Daniel Darc, Dominique A ou Michel Houellebecq qui revenaient de façon plus incistante sur la toile !
Tout ceci n’étant pas faux, il faut bien reconnaître que Megaphone ou la mort, de façon volontaire ou non,

vient de recréer un style né et mort dans les années 80’s, un rock inspiré de Lautréamont, Sade et Lénine à la fois, un rock à la fois noir et brillant – non, pas métallisé, loin de là ;-) – pour lequel, les textes sont aussi importants que les notes, si ce n’est plus. D’ailleurs, l’album commence sur La poésie du travail et finit sur Lutter. Allez découvrir les chansons en question, vous comprendrez vite, où vous avez mis les oreille !
Ce qu’il faut retenir de ce premier essai de Megaphone ou la mort, c’est surtout cette envie de ne pas faire comme les autres, de se lancer dans un rock poétique, parfois revendicatif, et d’y glisser quelques belles mélodies et des rythmes racés, histoire de détourner l’attention…
Une bien belle tentative en tout cas, qui mérite une écoute attentive et répétée pour en tirer la substentielle moelle !
Myspace.com/megaphoneoulamort
A découvrir et télécharger sur Jamendo

Note : 7/10

Pas véritablement un groupe, June Reactor est un projet collectif.
Pas vraiment un album, Gods and Monsters est avant tout un spectacle musical.
Une fois éclaircis ces quelques points, nous pouvons passer au cœur de notre sujet, la musique de l’un est de l’autre. Entre Transe et Trip Hop, Gods and Monsters livre une œuvre complexe, une œuvre de studio, s’il en est, qui allie un travail de producteurs surdoués à des voix d’exception.
Derrière les manettes, empruntant les routes ballisées de Massive Attack ou Portishead, Ben Watkins, l’instigateur du projet. Derrière les micros, une voix masculine, celle de Ghetto Priest (Asian Dub Foundation) et une féminine, Taz Alexander, aux capacités vocales invraissemblables et au timbre envoûtant. Si vous ajoutez à cela, les talents de guitariste de Steve Stevens (Billy Idol, Joni Mitchell…), ceux de percussionnistes de Greg Ellis et de la troupe Amampondo.

En dehors de tout aspect visuel (que nous n’avons pas vu), il faut bien avouer que Gods and Monsters est déjà bien impressionnant, carrément efficace, sur le plan sonore ! Il suffit de monter un peu le son et les basses pour s’en rendre compte ! Les 9 titres qui le composent ont d’ailleurs leur propre vie, leur propre ambiance et leur propre émotion, de la transe Inca Steppa au trippant Tokyo Dub, de l’ambiant Las Vegas Future Past au futuriste City of the Sinful, en passant par ce World métissage de Tanta Pena. Il y en a pour tout le monde et pour tous les goûts dans cet album concept qui, en plus, parvient à conserver une belle unité ! Le travail de magicien de Ben Watkins n’y est sans doute pas pour rien !
Alors si vous avez envie de dépaysement ? ou que vous êtes en manque d’atmosphères Trip Hop ? ou simplement en recherche de puissance et d’efficacité ? Essayez donc ce Gods & Monsters !

Note : 7/10

Auteur d’un premier album (Song of a thousand birds), le chanteur irlandais basé à Dublin, Declan de Barra lui donne une suite cette année, baptisée A Fire To Scare The Sun. En dix petits titres, d’une durée inférieure à 30 minutes, Declan de Barra plante un décor métissé par ses voyages en Indes et en Europe. Le chanteur se fait accompagner par des musiciens professionnels, au violon, violoncelle et batterie.
En dehors de l’atmosphère chaude et épicée, ce qui marque le plus l’auditeur, c’est très certainement la voix étonnante de Declan, qui a quelque chose entre Jeff Buckley et Joseph Arthur. De ces deux artistes, il a, de plus, en commun, une certaine vision de la musique, refusant complaisance et facilité, et préférant ainsi inventer, surprendre, plutôt que de refaire ce qui a déjà été entendu mille fois !
C’est avec Brightest Star, que Declan frappe un grand coup, avec cette voix plaintive réchauffée par des rythmes orientaux.

S’ensuivent ensuite quelques complaintes folk, aux textes imaginés, propices au voyage et à l’imagination… avant de revenir à 57 Years, un titre tout en progression, tel un boléro. Ajoutez à cela le travail artistique réalisé sur la couverture de l’album, aux couleurs proches du premier album, qui n’est pas sans rappeler quelques fables… Là, votre imagination tourne à plein régime, et la musique de Declan devrait pouvoir vous bercer un bon moment.
Si vous êtes fan de chanteurs folk un peu dépressif, cet album est très certainement pour vous ! Pour les autres, vu la morosité ambiante et la tension palpable, la musique de Declan de Barra devrait apparaître d’une grande douceur et source de relaxation des plus appréciable.
Vous l’aurez compris, ici, on est tombé sous le charme de ce A Fire To Scare The Sun.
Un album simplement beau !

www.declandebarra.com

Note : 6/10

Parmi les sorties du mois d’avril, un nom et une voix ont attiré mon attention plus particulierement ces derniers jours. Blue Roses !
Derniere ce patronyme fleuri, une chanteuse, Laura Groves, orginaire de Bradford, dans le West Yorkshire. Elle joue de sa voix, mais utilise aussi un piano, une guitare et quelques autres instruments pour illuminer ses compositions.
Pop aérienne, sa musique est terriblement marquée par l’emprunte indélébile de Kate Bush ! Sur Myspace, où l’on retrouve 2 titres en écoute, Laura Groves y indique justement un liste d’influences majeures, et Kate Bush arrive en tête, sans surprise. Joni Mitchell, Stevie Nicks en sont aussi. On pourrait allonger la liste avec Tori Amos, dont le jeu de piano se retrouve dans les compositions de Blue Rose, ou Rickie Lee Jones, pour sa voix enfantine. Mais c’est bel et bien Mme Bush, qui a touché Blue Roses, aussi bien pour la voix claire, capable de naviguer avec facilité dans les octaves, que pour les orchestrations et les atmosphères angéliques.

Pour cette introduction discographique, ce sont malheureusement que 5 titres qui sont ici livrés. Pas de quoi se faire une idée définitive sur l’inspiration générale de l’artiste. Mais retenons malgré tout de riches compositions, de beaux arrangements, des textes tres personnels basés sur des thèmes récurrents tels que l’amour, le doute, la fuite…
Alors, sans rendre de verdict sévère et immédiat, on retiendra d’abord cette voix magnifique et ces compositions avenantes. Et ensuite, on se gardera d’apporter des commentaires supplémentaires tant qu’on aura pas entendu un bouquet complet de Blue Roses !
musicofblueroses.com
Deux titres en ecoute sur Myspace

Note : 7/10

Outre Atlantique, JJ Cale est une véritable légende vivante. C’est sur le tard, en 1972 que cet artiste a débuté sa carriere discographique (Naturally). Pas étonnant qu’à 70 ans, il soit encore sur le pont à vouloir rattraper le temps !
Né au beau milieu des USA, dans l’Oklahoma, J J Cale a été découvert grace à une chanson qu’il avait composée, et qui fut reprise par Eric Clapton en 1970. (After Midnight). Pas étonnant que le loup sollitaire qu’il semble avoir toujours été dans son travail de studio n’ait pour invité que le même Eric Clapton, sur le titre éponyme de l’album.
Et à part ça, c’est bien beau d’être une légende, d’être encore en vie, de composer, enregistrer et sortir un nouvel album, encore faut il que le dit album ait un quelconque intérêt ? Et bien c’est le cas ! En une douzaine de ballades, JJ Cale continue, sans révolution, à explorer les univers Blues, Folk, Country, en essayer d’y apporter des mélodies impeccables, des rythmes agréables et des textes personnels.

Essai transformé, puisqu’effectivement, chaque titre de cet album, nous entraine, nous fait taper du pied, dodeliner de la tête, voire même chantonner sur Where The Sun don’t Shine, Down To Memphis, Oh Mary ou encore Roll On… Dans la foulée, JJ Cale pince une petite corde nostalgique le temps d’un Old Friend mélancolique à souhait.
N’était qu’un simple amateur du genre, je ne sais pas comment les puristes vont accueillir ce disque, mais les fans de Clapton, Knopfler, Cashou encore BB King devraient s’y retrouver, plutôt deux fois qu’une !
Si cet album devait être le dernier de JJ Cale, il en sera une tres belle conclusion, et si ce n’était pas le cas, il présagerait d’un avenir encore riche, pour ce haut représentant de la musique populaire américaine.
Son jeu de guitare n’a pas pris une ride, sa voix est intact, son inspiration encore bien aiguisée. Un bon cru 2009 à déguster seul ou entre amis !

Note : 9.5/10

Lors de la découverte du premier album de Redjetson en 2006, j’étais enthousiaste et plein d’espoir pour l’avenir du groupe. Les six orginaires de l’Essex avaient en effet su créer un son, magique, brillant, une pop scintillante, comme avaient pu le faire une poignée de groupe, à peine, avant eux !
Trois années plus tard, la magie n’a pas eu lieu, le papillon est resté terré dans sa chrysalide ! Pourtant, avec ses dernieres forces, il tente à nouveau de percer l’enveloppe qui le sépare encore de la popularité et de la reconnaissance !
Other Arms, leur nouvel album, s’éloigne de cet esprit Post Rock, que le groupe avait alors, pour se concentrer totalement sur l’aspect mélodique de leurs compositions. La voix du chanteur est mise plus que jamais sur le devant de la bande, un peu à la manière d’un autre éternel second, Puressence, dont les albums continuent à nous parvenir dans une totale indifférence !
Le gros défaut de Redjetson, c’est de vivre encore dans les années 70’s et de préférer des formats de 6 ou 7 minutes aux traditionnels 3’30 qu’imposent les radios du monde entier ! Mais c’est pour notre plus grand bonheur, car le groupe ne s’économise pas sur les introductions et les conclusions, qui, ainsi, créent une nappe atmosphérique, remplie de puissance et de majesté !

Et ce n’est pas le style vocal de son chanteur qui risque de raccourcir la durée des titres ! Mais, du coup, chaque titre est un véritable monument, alliant puissance et émotion. Et quand vous additionnez dix titres de la même classe, vous obtenez une fois de plus une des meilleurs albums de l’année.
Si vous avez aimé le premier album, vous pouvez y aller les yeux fermés ! C’est grandiose ! Si vous avez manqué ça, vous avez une seconde chance de découvrir un des tout prochains meilleurs groupes du monde, avant même son éclosion !
Mais peut-etre est-ce là le talent de cette chenille, à fabriquer cette soie musicale, et ne pas vouloir trop vite se transformer, au risque de perdre la fraicheur premiere de sa musique ! Dans ce cas, ne changez rien, et livrez nous encore nombre de ces merveilles !
Un album romantique, une émotion à fleur de peau, à chaque seconde, malgré des guitares, qui ne s’en laissent pas compter !

Note : 8/10

Note : 9/10

La caresse du matin est signée Fredo Viola. Globe trotter malgré lui, Fredo Viola a voyagé entre l’Angleterre, son pays de naissance, l’Italie, New York, la Californie… Interprête soprano pendant son enfance, étudiant en art plastique ensuite, il a gardé de tout cela, une créativité et une élégance dans sa création musicale.
Influencé aussi bien par la musique classique et lithurgique que par ses contemporains, Fredo Viola nous livre une premiere œuvre des plus originales, d’une pureté absolue. The Turn, titre donné à cet album, se compose d’une douzaine de pieces, à la fois musicale et vocale, la voix de Fredo Viola étant véritablement omniprésente, incontournable, et même démultipliée. En effet, l’artiste utilise un proécédé d’écriture, qui mêle des jeux vocaux, entre Doo-wop et Canon grégorien, sa voix se faisant écho à elle-même ou s'accompagnant simplement. Le résultat est à la fois mélodique et élégant. Du grand art au delà de l'aspect technique. Du coup difficile de classer ce nouveau venu dans un genre ou un style particulier. Vraiment, Fredo Viola tient quelque chose de différent, de rafraichissant, et sans faire dans la surcharge émotionnelle, ni même dans la surrenchere d’instrumentation. L’orchestration est d’ailleurs plutot riche, avec des flutes, des trompettes, des harpes, judicieusement placées dans la partitions, mais sans jamais alourdir le travail final. La musique de Fredo Viola, c’est plutot le contraire, légère et douce comme une plume. La caresse du matin, comme je vous le disait au début .

Pour vous en convaincre, il y a ce titre introductif, éponyme de l’album, qui utilise les procédé sus-sité, et se termine comme un final d’opéra, prolongé d’un bestiaire aérien. Et puis, le magnifique canon, intitulé The Sad Song, qui a quelque chose de religieux, tout comme pouvait l’être l’interpretation de Jeff Buckley, sur Hallelluja. Ce titre a par ailleurs, fait l’objet d’un clip, réalisé par son auteur, qui propose sur une version limitée un DVD avec ses différents travaux videos, qui appuie pertinemment son travail musical (notez sa verison de Silent Night inédite sur le DVD).
Si nécessaire, The Original Man finira de vous convaincre, par son rythme et sa voix pleine d’enthousiasme !

The Turn, de toute évidence, est la surprise de l’année, et devrait nous emmerveiller, écoute apres écoute, faisant apparaître, de nouvelles subtilités dans l’enregistrement. Un de ces albums qui se bonnifient en vieillissant, vous voyez ? Et ça, cà fait un bien fou, dans un monde toujours trop formaté.
A découvrir absolument ! Vous allez tomber sous le charme ! J’en prends le pari !

Myspace.com/fredoviola

Note : 9/10

Resté sous le charme d’Ash Wednesday, le premier album d’Elvis Perkins, sorti il y a 2 ans, c’est avec impatience que je me suis jeté sur la nouvelle galette, version promo, totalement déshabillé, et donc, absolument pas influencé d’une quelconque façon sur la couleur, la patine du nouvel album.
Les synthé vintage du premier titre, Shampoo, également nouveau single, et la voix d’Elvis, dévoile, sans surprise, le maintien du cap vers cette folk-country, façon lonesome cowboy, qui nous avait arraché les tripes sur le tristement bien nommé Ash Wesdnesday. De couleurs, il en est largement question sur ce titre, des couleurs extrêmes, et toujours des couleurs sombres ("black is the color of my true love's arrow, that's the color of human blood").
Si on peut espérer que la santé émotionnelle d’Elvis Perkins s’est améliorée avec le temps, il est certain qu’elle n’a en rien détérioré son inspiration. On retrouve en effet le chanteur dans de nouvelles ballades, parfois calmes, parfois soutenues, conservant toujours, la mélancolie qui nous avait alors marqués, comme peu d’album ces dernieres années.
En milieu d’album, trone une piece majeure, I’ll be arriving, un titre blues, sombre s’il en est, aux couleurs d’une marche funèbre de la Nouvelle Orléans, cuivré par quelques trombones mélodramatiques !

Et encore cette voix plaintive, déguisée, revenue d’un voyage dans les années 60’s…
La magie de cet album, c’est justement la façon qu’à Elvis Perkins à nous faire voyager dans le temps et dans l’espace à chaque, titre, Chains, Chains, Chains, nous reconduisant à la grande époque des Righteous Brothers, un brin crooner, un peu à la façon de Morrissey aussi.
Apres l’évocateur Ash Wednesday, c’est à un Doomsday que nous invite encore Elvis Perkins, dans une danse enivrante, où s’entremêlent joyeusement tous les instruments qui ont servi à l’album.
L’album se referme sur un dernier titre, rempli de nostalgie, How’s forever been baby et soutenu par un joli son d’harmonica.
Une fois encore, le début de l’année 2009 nous a terriblement gâtés ! Elvis Perkins in Dearland est un album qui en impose, de par sa richesse musicale et l’interprétation fantastique de son auteur, qui voit sa chance enfin tourner !
Il a avait un nom depuis longtemps, c'est son prénom que l'on retiendra aujourd'hui !
www.myspace.com/elvisperkins
www.elvisperkinsindearland.com

Note : 7.5/10

Words on Music

Myspace

Note : 9/10

www.rubythroat.org

Myspace

Note : 8.5/10

C’est avec Climbing My Dark Hair que le groupe va faire connaître ce nouvel album, un titre à l’image du reste de l’album, sombre et inquiétant, additionné d’un violon lancinant
. The Afterlife, comme tout autre album d’Elysian Fields, nécessite une appropriation, avant de parvenir à profiter pleinement des bienfaits de son contenu. Je vous encourage donc vivement, à (re)découvrir ce Nick Cave, version féminine, à travers cette livraison 2009, plus que jamais emprunte de mélancolie et de clair-obscur.
Un album digne de la réputation du groupe.

www.elysianmusic.com

Myspace

Note : 8.5/10

www.petervonpoehl.com

Myspace

Note : 7/10

Pour certains, The Christians n’évoque rien du tout. Au mieux, une secte qui a mal tournée. Pour d’autres, The Christians, c’est un Monument musical de la fin des années 80, un quatuor originaire de Liverpool, qui a fait frissonner les foules avec leur mélange pop soul brillante et leurs tubes interplanétaires.
En 2009, de ces Christians et de leur immense notoriété, il faut bien avouer, qu’il n’en reste rien. D’abord, du groupe originel, seul Garry Christian a su s’accrocher aux branches, les autres frangins sont passés à autre chose.
Par contre, leur musique, intemporelle, nous revient sous une forme acoustique tres posée, tres propre, plutot agréable au demeurant. On regrettera sans doute ces versions soul, un peu Gospel, à l’instar ce Forgotten Town qui n’a pas vraiment gagné dans sa version écologique. Mais que ne ferait on pas aujourd’hui pour le développement durable… Et puis, il y a l’éternelle, immuable, inaltérable, impérissable Words, qui, sous toutes ses formes, sous toutes ses couleurs, ses orchestrations, continue à nous hypnotiser, par le simple envoutement de la chaude voix de Garry Christian. Une guitare acoustique, quelques percu en fond, mais c’est toujours la perfect song ! Elles se comptent sur les doigts d’une main ces chansons-là !
Parmi les 15 titres, 5 inédits, comme il se doit, avec son lot de nouveautés et son cortège de reprises. Une version ralentie de I shall be released de Bob Dylan vous montrera, une fois de plus, combien Garry Christian sait faire sien le répertoire des autres.

Words nous l’avait depuis longtemps prouvé et et Here comes The Sun, de George Harrison, venant illuminer ce set acoustique, le confirme…
Parmi les petites nouvelles, il y a aussi Overwhelmed, un tout nouveau titre dans le répertoire du groupe, et un single, une ballade, qui va crecendo, un peu à la maniere de Words, avant de retomber dans le silence. Sobre, joli mais pas percutant. Par contre, A flame permet de ressortir cet accordéon, discret, qui finalement, donne, sans y paraître, une signature au groupe, au même titre que la voix de Garry. Et son refrain, ‘Cause there is nothing… a quelque chose d’entêtant, qui en fait un single potentiel et une pièce maitresse de l’album. Au même titre que Remedy, autre inédit de l’album, qui retrouve les couleurs Gospel d’antan du groupe, ainsi que les ampli des guitares électriques, dans un solo terriblement 70’s, à la manière de Santana.
Ce Soul From Liverpool nous donne un petit – mais intéressant - début de suite au sous-estimé Prodigal Sons – grand absent de ce live acoustique d’ailleurs - d’il y a 5 ans, laissant présager encore, d’un retour au meilleur de Garry Christian, et à la belle époque de Born Again, Ideal World ou de l’indémodable Words !
Soul From Liverpool s’apprécie comme un apéritif, doux, moelleux et ambré. On attend maintenant un plat de résistance plus copieux et plus épicé !
www.thechristianslive.com

Note : 9/10

Du haut de ses 35 printemps, Andrew Bird profite d’avoir toujours le vent – et les médias – en poupe, pour sortir un nouvel album, Noble Beast, le second sorti sur le label Fat Possum Record, mais le 5e de sa carrière solo.
Pour cette nouvelle production, Andrew Bird ne prend pas au dépourvu. Bien au contraire, il ressert les mêmes ingrédients, en proposant 14 ballades folk, low-fi, sur lesquelles l’artiste a passé 5 mois, entre Nashville, Chicago et Minéapolis, à travailler les mélodies, les orchestrations, les arrangements, pour qu’une fois encore – cela devient presque lassant -) – on puisse dire à nouveau combien Andrew bird nous fascine.
Et effectivement, il nous fascine, tant sa musique semble facile. Mais est-ce bien le mot Facile ? Efficace et ensorcelant seraient plus appropriés en réalité. Car, d’une grande sobriété, la musique de Noble Beast, n’en est pas moins riche dans son orchestration, additionnant des violons, des guitares et des claviers. Qui plus est, la voix d’Andrew Bird reste la pièce maitresse de cet album, hantant chaque titre, comme pouvait le faire en son temps Jeff Buckley, et faisant de chaque titre, un moment d’exception, poussant au respect et au silence absolu.

Difficile de distinguer quelques titres, sans prendre le risque de faire une ombre injustifiée aux autre titres, mais pour vous aider à vous approprier une œuvre qui pourrait bien devenir majeur, dans la discographie d’Andrew Bird, et peut-etre même de l’année 2009, distinguons ce Masterswarm, et son dialogue entêtant entre une voix chaleureuse et un violon émancipé, une guitare discrete et un sifflotement familier. Notons aussi la présence de cette énigmatique Not a Robot, But a Ghost, qui répète frénétiquement, « I crack the codes, I crack the codes that end the war ».
Si vous n’êtes jamais allé voir Andrew Bird en concert, réparez vite cette erreur, ce ne sera que plus facile pour apprécier ce nouvel album, tant le bonhomme hypnotise son auditoire, partout où il passe.
Un ange passe, l’oiseau rare est de retour ! En Noble compagnie.

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